Keyklau ha conseguido hacerse un hueco en la escena más contundente de Barcelona mostrando su vulnerabilidad. Dentro de un mundo complejo e intenso ha sabido parar para escucharse y poder mostrar al mundo un proyecto sólido y único que nace de la necesidad de expresarse.
Hablamos con ella para que nos cuente de su proceso creativo para crear sus tracks y cómo convive su vulnerabilidad con la intensidad del schranz.
Tu propuesta llama mucho la atención: es emocional y, al mismo tiempo, contundente. ¿Tu sonido nace desde una necesidad estética o desde algo más visceral?
Mi sonido nace de todas las experiencias que he tenido a lo largo de mi vida. Nace desde el sentimiento, desde la conexión que siento con la música y la necesidad de expresarme a través de esta. No es estético para nada, de hecho considero que es la mejor manera posible de enseñar a los demás quién soy.
En una escena como la del schranz o el hard techno, donde muchas veces domina la dureza y la repetición industrial, tú introduces vocales vulnerables y muy finas. ¿En qué momento sentiste que esa combinación tenía sentido para ti?
La verdad, que ni pensé en si tenía sentido. Simplemente lo hice. El schranz o el hard techno siempre están relacionados con oscuridad y dureza, pero me gusta mucho demostrar a quien me escuche que la mezcla es coherente y tiene sentido. Creo que es una de las cosas que me diferencia y que hace mi estilo más único en la escena y por eso creo que a la gente le gusta.
¿Alguna vez has sentido que incorporar esa vulnerabilidad era ir a contracorriente dentro de la escena hard?
Creo que una de las cosas más bonitas de la música electrónica es el abanico de posibilidades que ofrece. Hay muchas formas de hacer un set o de producir, y esa libertad es lo que más me inspira. Sé que no es común escuchar vocales como las mías dentro de la escena hard y que apostar por la vulnerabilidad puede parecer ir a contracorriente. Pero creo mucho en mi propuesta y en lo que estoy construyendo. Precisamente, pienso que eso es lo que me diferencia y lo que me está impulsando más rápido que seguir una tendencia.
Ahora que tus sets incorporan una parte más live, ¿cómo defines tu identidad como DJ frente a tu identidad como productora? ¿Cómo conviven estas dos identidades cuando estás actuando?
Mi parte de DJ es bastante más efusiva que la de productora. En cabina soy mucho más enérgica y me encanta improvisar, probar cosas y sorprender al público. En cambio, la parte de productora es una Keyklau mucho más tranquila, que le encanta tenerlo todo controlado y que piensa muy cuidadosamente todo lo que hace. No pierdo la esencia en ningún momento, pero sí que encuentro diferencias, a pesar de que siempre se acaba notando, tanto produciendo como pinchando, que estoy yo detrás.
A la hora de producir, ¿concibes tu voz como un instrumento más dentro de la estructura o como el centro emocional del track? ¿La colocas desde la técnica o desde la necesidad?
Depende de lo que el track necesite. Escojo añadir mi vocal cuando realmente noto que esa producción lo necesita. No tengo la necesidad de siempre añadir una o siempre darle el papel principal. Soy consciente de que no en todos los tracks pueden tener tanta importancia. Creo que algo que estoy mejorando mucho es en darme cuenta de cuando un track pide esa vocal emotiva o si es mejor añadir una vocal pero darle por ejemplo más importancia a la percusión u otros elementos.
Cuando introduces tu propia voz en un contexto tan físico y potente como el schranz, ¿qué ocurre en la pista? ¿Qué percibes desde la cabina?
La gente flipa. En la mayoría de los casos, el público reacciona muy bien a mis tracks. Creo que no se esperan un subidón así y sorprende bastante, y muchas veces se me acercan al final del set para decirme que no se esperaban algo así y que les ha impactado. Ese factor sorpresa me ayuda muchísimo a conectar con el público.
El Schranz suele asociarse a una energía muy frontal, casi agresiva. En tu caso hay intensidad, pero también fragilidad. ¿Qué te interesa provocar cuando pinchas?
Quiero que la gente conecte con lo que intento transmitir. No conmigo directamente, sino con el sentimiento que yo he depositado en mis tracks. Quiero que la gente sienta cuando escucha mi música. No hace falta que todos sientan lo mismo, pero quiero que entiendan lo importante que es la música para mí y lo importante que es que esté presente en la vida de cualquier persona.
En tu proceso creativo, ¿qué atmósfera necesitas para producir? ¿Silencio absoluto, noche, aislamiento… o cierto caos que te empuje a crear?
Sinceramente, necesito estar sola. O estoy con una persona muy afín a mí a nivel de producción, o me cuesta mucho ser creativa. Con gente con la que no conecto en ese sentido, me cuesta mucho ser yo misma. Sentarme a producir es como el momento para conectar conmigo misma, mi momento de paz y de conocerme y entenderme mejor. Y siempre necesito tener una fuente de emociones que me inspire. Me cuesta muchísimo hacer un track vacío o simplemente sin un propósito emocional, sin emotividad o sentimiento.
Tu próximo tema está a punto de salir. ¿Cómo nace y qué lo diferencia de tus trabajos anteriores? ¿Hay algo que hayas hecho distinto, a nivel emocional o técnico?
Lo primero que destacaría es que es otro género, el cual todavía no había explorado. Amo el schranz, pero abrirme a conocer este tipo de industrial me está ayudando a conocerme mucho mejor como artista. Creo que las vocales del track acompañan a la perfección la dureza de este. Tal vez no es tan emocional, pero creo que es mi proyecto más profesional hasta la fecha. Es, sin duda, un salto de calidad en mi trabajo y voy a seguir manteniéndolo a lo largo del tiempo.
¿Te dio vértigo exponer esa parte más vulnerable en un contexto tan duro como el hard?
Podría decir que nunca nada me había dado tanto vértigo como exponer mi vulnerabilidad convertida en lo que es mi música, pero no por la escena, sino por mí misma. Mostrar mi música a mi familia y amigos ya me costaba. Mi sueño desde niña siempre fue vivir de la música, pero me parecía impensable que me pudiera pasar a mí. Que yo estuviera destinada a hacer música y que a la gente le gustara. Tuve que hacer un ejercicio largo de confianza para empezar a mostrar mis proyectos y trabajo hasta llegar a este punto.
Siempre me dio mucho miedo lo que pensaría la gente, y nunca creí que yo pudiera crear música que a la gente le gustara tanto. Me arriesgué y acerté, y no puedo estar más feliz y agradecida por haber dado el paso.
Mirando hacia adelante, ¿cómo ves la evolución de tu proyecto? ¿Te interesa seguir profundizando en esta dimensión emocional o sientes la necesidad de radicalizar todavía más la energía?
La verdad, no sé exactamente cómo va a evolucionar ni cuánto, pero lo que sí sé es que no voy a dejar de creer en este proyecto y voy a seguir trabajando en él. No me cierro a nada. Quiero probar estilos, formas de producir y seguir conociéndome como artista. Mi principal objetivo ahora mismo es seguir profesionalizando mi música y seguir mejorando. No tengo nada pensado, simplemente moverme por lo que más me llame la atención e ir explorando este precioso mundo.
¿Qué te motiva ahora mismo a seguir empujando tu sonido dentro de una escena que está en constante aceleración?
Justo el hecho de que la escena esté en constante evolución me motiva aún más. Siento que es un momento en el que todo cambia rápido, y eso me impulsa a no quedarme quieta, a evolucionar con ella, pero sin perder mi identidad. Me motiva todo lo que aún no he mostrado. Tengo muchas ideas y proyectos en mente y siento que esto solo es el principio. Quiero demostrar de lo que soy capaz, explorar sin miedo y que la gente no solo escuche mi música, sino que la entienda y la sienta. Para mí no es una tendencia, es un pilar, y quiero construir una comunidad donde sea el epicentro de todo: música, emoción y verdad.
Si la música me ha sostenido durante toda la vida, lo mínimo que puedo hacer es dedicarle mi tiempo y mi energía el resto de ella.
